5 gängige Videoschnitte und wie Sie sie in Ihrer Videobearbeitungssoftware ausführen

Das Verständnis der Grundlagen der Videobearbeitung, ob als narrativer Filmemacher oder als Inhaltsersteller, ist oft der Unterschied zwischen Erfolg und Misserfolg. Die Kenntnis einiger grundlegender Schnitte und deren Verwendung ist eine einfache Möglichkeit, Ihre Inhalte von der Masse abzuheben.

In diesem Artikel werfen wir einen Blick auf fünf verschiedene Videoschnitte, warum sie verwendet werden und wie Sie sie effektiv in Ihren Projekten einsetzen können.

1. J-Schnitt oder L-Schnitt

Neben dem Standardschnitt sind J-Cuts und L-Cuts wohl die gebräuchlichsten in der Videobearbeitung. Ob Sie einigen von folgen die besten Online-Videobearbeitungskurse, oder an einer traditionellen Filmschule eingeschrieben sind, werden Ihnen diese grundlegenden Aufnahmen wahrscheinlich sehr früh beigebracht.

Benannt nach der Form, die sie bei richtiger Ausführung (siehe unten) in Ihrer Timeline erzeugen, J-Cuts und L-Cuts sind Clips, bei denen das Audio für die nächste Aufnahme auf der Timeline entweder vor dem Video abgespielt wird oder hinterherläuft.

So führen Sie einen J-Cut oder L-Cut effektiv aus:

1. Heben Sie die Gruppierung der Audio- und Videospuren jedes Clips auf. In den meisten Videobearbeitungsprogrammen sind die beiden standardmäßig verknüpft, um den Ton synchron zu halten. Das Aufheben der Gruppierung oder das Aufheben des Blinkens ermöglicht es uns, Audio und Video separat zu bearbeiten.
2. Finden Sie einen gemeinsamen Klang, den Sie als Referenz verwenden können. Im Fall einer Dialogszene wie oben könnte es sich um einen Schauspieler handeln, der in beiden Clips dieselbe Zeile hat.
3. Ziehen Sie bei nicht gruppiertem Audio und Video die Audiospur nach links oder rechts, damit sie dem darüber liegenden Video folgt oder ihr vorangeht. Die Verwendung der Audio-Wellenformen beider Clips kann dabei helfen, festzulegen, wo jeder Schnitt beginnen und enden soll.

2. Match-Cut

Ein Match Cut verwendet ein gemeinsames Element, um von einer Einstellung zur nächsten überzugehen. Es kann eine Form oder ein Objekt oder sogar ein Geräusch sein.

In unserem Beispiel unten haben wir ein Auge verwendet, das auf eine Aufnahme des Mondes schneidet. Wir haben die runde Form beider verwendet, um den Blick des Betrachters darauf zu lenken, wo wir ihn sehen lassen möchten.

So führen Sie einen Match Cut aus:

1. Verschieben Sie beide Clips in Ihre Timeline, wobei der zweite Clip über dem ersten liegt.
2. Wählen Sie ein Objekt in einem Ihrer Clips aus, das als Referenzrahmen dienen soll. Im Fall unseres obigen Clips haben wir das Auge zu unserem Bezugspunkt gemacht und werden den Clip des Mondes so bearbeiten, dass er seiner Position und Größe im Rahmen genau entspricht.
3. Verschieben, skalieren und passen Sie den zweiten Clip in den Transformationswerkzeugen Ihres Editors an, bis er dem vorherigen Clip sehr ähnlich ist. Es kann hilfreich sein, die Deckkraft des zweiten Clips zu verringern, um dies zu erleichtern.
4. Erstellen Sie an dem Punkt, an dem die Objekte in beiden Clips übereinstimmen, den Übergang, indem Sie jeweils den Anfang und das Ende Ihrer beiden Clips ziehen.

3. Sprungschnitt

Zu Videos bearbeiten wie ein Profi, Redakteure werden in der Regel davor gewarnt, Sprungschnitte zu vermeiden. Aber ein Sprungschnitt kann, wenn er sparsam, richtig und aus dem richtigen Grund ausgeführt wird, in einer Vielzahl von Situationen eine effektive Technik sein.

Ein Sprungschnitt wird durchgeführt, wenn die Kamera zwischen zwei Aufnahmen ohne Bewegung oder nur geringfügig bewegt wird. Im Beispiel unten haben wir einen Sprungschnitt verwendet, um den Schauspieler zu unterdrücken.

Ein weiteres Beispiel wäre, dem Betrachter schnell eine Abfolge von Aktionen zu zeigen, ohne jede Bewegung in dieser Abfolge zu zeigen, z. B. das Auspacken oder die Demonstration eines YouTube-Produkts.

So führen Sie einen Jump Cut aus:

1. Ziehen Sie die gesamte Aufnahme in die Timeline. In unserem Fall zoomte eine Totale auf das Gesicht des Schauspielers.
2. Schneiden Sie den Clip mit dem Rasiermesser/Schneidewerkzeug Ihres Editors an zwei Stellen – die erste dort, wo der Sprung beginnen soll, und die zweite dort, wo er enden soll.
3. Löschen Sie den mittleren Teil, der durch die Schnitte entstanden ist, und ziehen Sie die beiden verbleibenden Teile zusammen.

Das Endergebnis ist eine Einstellung, die sanft beginnt, bevor sie abrupt nach vorne springt und den Betrachter erschüttert.

4. Einsätze

Ein Insert ist ein grundlegender Schnitt sowohl in narrativen als auch in nicht-narrativen Videoinhalten. Es fügt einer Szene Kontext hinzu und ändert gleichzeitig den Fokus, damit sich der Betrachter nicht langweilt.

In unserem Beispiel unten, während zwei Charaktere Pläne diskutieren, erhalten wir eine Einfügung eines Entwurfs auf einem Tisch, damit wir als Betrachter eine visuelle Vorstellung davon haben, worüber sie sprechen.

Es gibt ein paar Tipps, die Sie beachten sollten, wenn Sie eine Insert-Aufnahme in Ihrem Schnitt verwenden:

• Machen Sie es relevant: Ob für eine Produktbewertung oder eine erzählende Geschichte, was in Ihrer Beilage gezeigt wird, muss für die gesamte Szene relevant sein. Fügen Sie keinen Einsatz hinzu, um einen Einsatz hinzuzufügen.
• Halten Sie die Beleuchtung konstant: Wenn der Ersteller die Insert-Shots nicht am selben Tag oder unter ähnlichen Bedingungen wie den Rest der Szene gedreht hat, tun Sie Ihr Bestes, um es so aussehen zu lassen, als ob dies der Fall wäre.
• Behandeln Sie jeden Einsatz als J-Cut/L-Cut: Das Audio des vorherigen Clips oder des folgenden Clips sollte unter die eingefügte Aufnahme gezogen werden, um den Eindruck zu bewahren, dass alle Aufnahmen zur gleichen Zeit und am gleichen Ort sind.

In der Filmtheorie ist eine Insert-Aufnahme auch eines der vielseitigsten thematischen Werkzeuge, die es gibt, wobei eine gute Insert-Aufnahme in der Lage ist, mehr in einem einzigen Bild auszudrücken, ohne dass ein Schauspieler ein einziges Wort sagt. Es gibt genügend von Ressourcen zum Erlernen der Kunst und Wissenschaft des Filmemachens, aber seien Sie gewarnt, es ist ein faszinierender Kaninchenbau, der Ihren Tag schnell auffressen kann.

5. Schneiden bei Bewegung

Das Schneiden bei Bewegung bezieht sich auf den Vorgang, bei dem eine Bewegung in einem Clip begonnen und im nächsten abgeschlossen wird. Es ist eine Möglichkeit, den Übergang zwischen Schnitten zu erleichtern und sie für den Betrachter weniger störend zu machen. Die Idee ist, dass der Zuschauer, wenn er sich auf die Aktion konzentriert, die Änderung der Kameraeinstellungen nicht bemerkt.

In unserem Beispiel unten beginnt der Mann, den Koffer auf den Tisch zu heben, und mitten in dieser Bewegung wechselt die Szene zu einer Nahaufnahme, in der er die Aktion abschließt.

Tipps, die Sie beim Schneiden in Bewegung beachten sollten:

• Seien Sie so genau wie möglich: Es kann etwas Finesse erfordern, aber arbeiten Sie daran, den Schnitt zwischen den Clips so nahtlos wie möglich zu gestalten. In unserem obigen Beispiel möchten wir nicht auf eine Nahaufnahme schneiden, bei der der Kopf des Schauspielers in eine völlig andere Richtung gedreht wird, selbst wenn die Armbewegung übereinstimmt.
• Machen Sie sich bemerkbar: Eine größere Bewegung zieht die Aufmerksamkeit auf sich und macht es zu einer besseren Ablenkung, um die erschütternde Natur eines Schnitts zu lindern.

Warum sind Videoschnitte so wichtig?

Die Kunst der Videobearbeitung verändert sich schnell, wobei ständig neue Trends und Technologien auftauchen. Aber das Wesentliche beim effektiven Schneiden eines Videos bleibt immer der Schlüssel.

Egal, ob Sie für YouTube drehen, auf die große Leinwand zielen oder einfach nur Spaß mit einer Videokamera haben möchten, die Kenntnis der Grundlagen einer guten Bearbeitung kann Ihrer Arbeit einen professionellen Anstrich verleihen. Einfach, einfach auszuführen und effektiv, die fünf oben genannten gängigen Schnitte sind Teil des Prüfsteins eines jeden Videoeditor-Toolkits.